Portfolios Archive - Courant d'art

Marlis Albrecht

Elle vit et travaille à Möglingen en Allemagne. L’artiste porte un regard acéré, plein d’humour et d’esprit sur son prochain. En découlent une production picturale figurative à la fois tendre et caustique.

Marlis Albrecht fixe dans la cire et dans les pigments ce qu’elle nomme l’aspect relationnel de la condition humaine, c’est-à-dire nos rapports aux autres, les relations familiales, amoureuses, amicales ou simplement de bon voisinage.

On croit aussi deviner sur certains tableaux la propre figure de l’artiste car on croise souvent un regard, une forme du visage, une chevelure commune à ses portraits photographiés.

Surgit une rencontre ambiguë entre les personnages stratifiés dans la cire avec leur regard fixe qui tentent de capter l’environnement extérieur du tableau et le spectateur qui lui, découvre un des aspects de sa proche condition.

Ses réalisations en cire appellent à l’intensification des relations humaines.

Ces hommes et ces femmes saisis dans l’encaustique sont nos avatars et expriment toutes nos émotions, nos doutes, nos désillusions… Les personnages font souvent les frais de situations embarrassantes déclenchant chez eux des mimiques hypocrites et des expressions boudeuses …..Cependant, sous les couches révélées par le grattage et les scarifications, par une sorte de décapage en somme, s’impose à nous une certaine politesse du désespoir.

Sophie Bassot

Elle s’inspire de la nature, dont elle capte les forces élémentaires, les lignes essentielles, la spontanéité, le présent éternel, en une sorte de survie.L’artiste doit choisir une vision totale de l’objet, l’ensemble et non les détails, une nature nue et dépouillée, qui ignore totalement les contours de l’élégance.
Elle refuse toute norme de beauté statique, mais une beauté dynamique, en devenir continu, qui ne permet jamais l’exploitation commode des chemins déjà parcourus. Le tableau est là comme idée et non comme objet : le lieu des intuitions et des structurations sur lesquelles s’organisent sa pensée.

Elle retrouve le rapport entre rythme individuel et rythme universel, entre individu et univers.
Sophie pratique l’art par excellence de l’inconscient et de l’irrationnel, cette conscience plastique de nos instincts, l’extériorisation de la vie intérieure représentée par la nature.
Elle est aussi opérateur culturel. Avec tous les « enfants terribles » que produit notre société et réconcilie l’art et la vie, en centrant son action sur la valeur sociale, à la recherche des nouveaux mythes fondateurs de la société contemporaine.

La peintre est porteuse d’ouverture, de tolérance, de sens collectif, de volonté d’être elle-même, du refus de perpétuer le passé. Consciente de pouvoir contribuer à l’évolution de l’art, en suscitant des émotions toujours nouvelles.

Patrick Bastardoz

Né en 1970 à Strasbourg

Etudes d’Arts Plastiques à l’UFR arts de Strasbourg.

CAPES d’Arts Plastiques en 1992 – Vit et travaille à Strasbourg

Patrick Bastardoz, considère sa pratique de la peinture comme un regard permanent vis à vis de l’histoire même de la peinture.

Je suis sensible au métier, au savoir faire et à la technique picturale, cela passe par du temps passé à regarder la peinture de chacun pour comprendre comment elle fonctionne.

Attiré par les nombreuses similitudes existant entre la construction d’un bâtiment et la réalisation d’un tableau, il entreprend depuis 2006 une exploration sur le sujet, un exercice d’expérimentation et de variation sur le même thème. Ces toiles n’ont pas seulement pour sujet les chantiers eux-mêmes mais bien la peinture.

Patrick Bastardoz s’attache à nous faire découvrir que des fondations jusqu’aux finitions, les rapprochements sont troublants:

Structure et composition, fondations et imprimature (couche de base, souvent sombre dont on « tire » les blancs), murs transparents et glacis, finitions, touche et style etc…

Peintures de chantiers ou chantiers de peinture, la toile révèle ses phases de construction, par la succession de couches transparentes.

Elles « montent » vers le spectateur et offrent au regard les indices des étapes de leur propre réalisation.

Tout comme le chantier d’un bâtiment s’auto-révèle, les toiles montrent ce qui les constitue, le regard attentif du spectateur saura distinguer les diverses étapes de leur construction.

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BEY JOSEPH

La sensation physique du territoire saisit d’emblée l’œil, le corps devant un paysage de Joseph Bey. Le peintre n’arbitre pas entre abstraction et figuration, entre mystique et tectonique. Son geste dresse l’espace, scandent les plans comme érodés par le temps, les éléments. Quelquefois l’humain s’invite, discrètement. Une intrigante silhouette avec des gestes d’incantation suggère ce murmure des ombres qui hantent ses itinéraires que ce soit un des chemins de Saint-Jacques ou le pèlerinage de Shikoku au Japon…

Grand marcheur devant l’éternité, l’artiste a une intimité viscérale avec la terre. La terre qu’il foule lors de ses randonnées, les champs et les forêts qu’il traverse et où il goûte la vitalité génésique qu’exprime la nature au fil des saisons : ses beautés chatoyantes, ses tourmentes quelquefois, ses senteurs qui explosent par bouffées bourgeonnantes ou distillent de subtiles fragrances sous la caresse du vent ou l’ardeur du soleil. Un souffle et une présence têtue que mesure l’effort pas après pas.

texte de Luc Maechel

Voilà quelques années que je mène au travers de l’art contemporain une recherche sur les univers, les chemins et la quête de l’inconnu. Tel le Graal au travers de collages de plus en plus épurés à la couleur ardoise je m’aventure dans la vie et les confins du monde

Joseph Bey

Robert Combas

Peintre, illustrateur, sculpteur et musicien, Robert Combas est un artiste français multi facettes. Né le 25 mai 1957 à Lyon, il est également passionné de vinyle qu’il collectionne et de musique rock, la musique en général faisant partie intégrante de son côté artistique.

Fondateur en 1979 du mouvement artistique de figuration libre avec Hervé Di Rosa et le magazine Bato, Combas a su s’imposer au fil des années comme un artiste de poids tant en France qu’en Europe. En effet, Robert Combas est le seul artiste français qui fait partie du classement Artprice, entreprise de cotation du marché de l’art.

Preuve de sa grande influence, les musées d’art contemporain de Lyon et Grimaldi Forum de Monaco lui ont consacré une rétrospective en 2012 et 2016.

Agnes Descamps

Née à Belfort en 1962.

En 1988, elle a obtenu son diplôme dans la section » structures et objets » des Beaux Arts de Mulhouse.
1989 marque son intégration à la maison des Artistes, où débute sa carrière de plasticienne.

Elle passe d’une expression abstraite avec des formes fluides et des lignes droites, à un style plus figuratif à la fin des années 90.

Agnès Descamps exprime son Art à travers divers matériaux : Pierre,Bronze,Métal,Plexi,……
Ses peintures et sculptures séduisent de multiples Entreprises Françaises et Etrangères.
On peut également découvrir ses » Amants Monumentaux » ou son » Penseur » dans nos paysages Contemporains. Perfectionniste, elle s’adapte sans cesse aux nouvelles Technologies.

Depuis 2014, Agnès possède un second Atelier dans le sud de la France en contraste avec ses origines Belfortaine. Elle partage sa création Artistique entre ces 2 régions.

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Cécile Duchêne

Les peintures de Cécile Duchêne-Malissin semblent jouer sur deux registres, le réel et la fiction.Premier constat, une composition qui exprime l’abandon méditatif, la solitude.

L’artiste s’exprime « avec sa force plastique et expressive, ses visages, ses corps parés d’un original matériau appliqué, dont elle sait dire par le dessin introspectif la mélancolie, la solitude, l’espoir, la vérité de la nature humaine. »

A.W. pour « Les Affiches-Moniteur »

Formation :Ecole Supérieure des Arts Appliqués Olivier de Serres (Paris), Plasticien
Faculté des arts (Strasbourg)

Gerard Dumora

Gérard Dumora est né en France en 1967.

Actuellement Gerard Dumora se consacre à l Art Urbain à travers son projet VORTEX-X-ART URBAIN.Il conserve toujours son activité photographique dont les œuvres sont visibles à la Galerie.

Sa démarche artistique

En 1998, je suis parti vivre avec ma famille en Polynésie française. La vie dans les îles m’a fait prendre conscience de la fragilité de l’environnement et grâce à une rencontre essentielle avec un artiste polynésien, l’envie de créer s’est imposée.J’ai découvert une multitude de matières naturelles, végétales et minérales que j’ai expérimentées en y mêlant mon savoir – faire de menuisier – ébéniste et la culture polynésienne. J’ai participé à la mise en place de l’art contemporain polynésien et j’ai créé une collection de luminaires, mobilier et sculptures.
De retour en France, je me suis questionné sur les déchets industriels et le constat était évident : il fallait trouver une valorisation artistique. Depuis mon travail de création et de recherche est axé autour des rebuts industriels.Ma réflexion a été : « Comment faire du beau et du grandiose avec du déchet ? »

Je crée des œuvres monumentales éphémères en non-tissé (fibre synthétique, déchet ultime) dans l’espace public ou dans la nature. J’explore et je transforme d’autres matières tels le plastique récupéré sous forme de feuillard, le carton, le métal, le bois et le fil. Je fais de la photographie. Je travaille en binôme avec ma compagne.

Créer est un plaisir, une nécessité. Il faut abolir toutes les frontières pour qu’émotions et sensations se collent à une idée que la main transformera en œuvre d’art ou en objet.

Son Travail de recherche pendant le confinement

Le confinement m’a contraint à rester dans un périmètre réduit, avec la chance de pouvoir aller à mon atelier , situé sur le site de l’usine DMC. Le seul lien possible par rapport au lieu où j’étais confiné et mon travail de recherche photographique, était une évasion grâce aux palettes de fils DMC entreposées à proximité de mon atelier. Cet entremêlage de couleurs et de longueurs représentait un chaos latent, silencieux, tout comme l’atmosphère très particulière du confinement.

Tout est à l’arrêt. Le désir d’évasion, la perception visuelle et tactile deviennent le canal de cette série de photos.Les fils et les photos réalisées représentent l’ordre et le désordre, tout comme un étalement et une fragmentation numérisée du temps qui prend toute sa dimension.Les lignes sont le reflet du temps qui s’étire dans ce contexte où la linéarité devient source de perception.Les couleurs sont une fête, comme la Holi en Inde.

Franck Ecalard

Un artiste optimiste.

Né en 1967, Franck Ecalard est un artiste peintre français.

Cet architecte de formation travaille durant deux ans sur les chantiers avant d’abandonner ce milieu et se tourner vers la création artistique.
De manière autodidacte, il se forme à la peinture et peint tout ce qui l’entoure. Il s’inspire de sa propre vie et de son environnement afin de réaliser des œuvres colorées et pleine de vie.
Ayant passé son enfance sur une péniche,l’artiste se sent particulièrement connecté au monde aquatique.

Les œuvres de Franck Ecalard sont exposées dans de nombreuses galeries françaises et européennes.

ERRO

L’oeuvre de l’artiste ERRÓ a fait son entrée, depuis longtemps maintenant, dans de nombreux musées et collections particulières.

ERRÓ, est l’une des figures de proue de la Figuration Narrative, grand courant artistique français né dans les années 60, fondé en réaction au Pop Art américain.
Chroniqueur insatiable de notre société contemporaine, il nous offre des patchworks d’images érigés en tableaux narratifs passionnants, où les couleurs dominent et où les références de notre XXème siècle s’imposent à notre mémoire.
De Marilyn à Mao Zedong, des personnages de manga japonais aux sculpturales héroïnes de la culture américaine, ses travaux nous questionnent sur la place dominante de l’image aujourd’hui dans nos sociétés, et, avec humour, nous content « les mythologies quotidiennes ».
Aujourd’hui, les oeuvres d’Erro sont présentes dans les plus grands musées du monde.

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