Né en 1970 à Strasbourg

Etudes d’Arts Plastiques à l’UFR arts de Strasbourg.

CAPES d’Arts Plastiques en 1992

Patrick Bastardoz, considère sa pratique de la peinture comme un regard permanent vis à vis de l’histoire même de la peinture. 

Je suis sensible au métier, au savoir faire et à la technique picturale, cela passe par du temps passé à regarder la peinture de chacun pour comprendre comment elle  fonctionne.

Attiré par les nombreuses similitudes existant entre la construction d’un bâtiment et la réalisation d’un tableau, il entreprend depuis 2006 une exploration sur le sujet, un exercice d’expérimentation et de variation sur le même thème. Ces toiles n’ont pas seulement pour sujet les chantiers eux-mêmes mais bien la peinture.

Patrick Bastardoz s’attache à nous faire découvrir que des fondations jusqu’aux finitions, les rapprochements sont troublants:

Structure et composition, fondations et imprimature (couche de base, souvent sombre dont on  « tire » les blancs), murs transparents et glacis, finitions, touche et style etc…

Peintures de chantiers ou chantiers de peinture, la toile révèle ses phases de construction, par la succession de couches transparentes.

Elles « montent » vers le spectateur et offrent au regard les indices des étapes de leur propre réalisation.

Tout comme le chantier d’un bâtiment s’auto-révèle, les toiles montrent ce qui les constitue, le regard attentif du spectateur saura distinguer les diverses étapes de leur construction.

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Peintre, illustrateur, sculpteur et musicien, Robert Combas est un artiste français multi facettes. Né le 25 mai 1957 à Lyon, il est également passionné de vinyle qu’il collectionne et de musique rock, la musique en général faisant partie intégrante de son côté artistique.

Fondateur en 1979 du mouvement artistique de figuration libre avec Hervé Di Rosa et le magazine Bato, Combas a su s’imposer au fil des années comme un artiste de poids tant en France qu’en Europe. En effet, Robert Combas est le seul artiste français qui fait partie du classement Artprice, entreprise de cotation du marché de l’art.

Preuve de sa grande influence, les musées d’art contemporain de Lyon et Grimaldi Forum de Monaco lui ont consacré une rétrospective en 2012 et 2016.

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Actuellement Gerard Dumora se consacre à l Art Urbain à travers son projet VORTEX-X-ART URBAIN.Il conserve toujours son activité photographique dont les œuvres sont visibles à la Galerie.

 Sa démarche artistique

En 1998, je suis parti vivre avec ma famille en Polynésie française. La vie dans les îles m’a fait prendre conscience de la fragilité de l’environnement et grâce à une rencontre essentielle avec un artiste polynésien, l’envie de créer s’est imposée. J’ai découvert une multitude de matières naturelles, végétales et minérales que j’ai expérimentées en y mêlant mon savoir – faire de menuisier – ébéniste et la culture polynésienne. J’ai participé à la mise en place de l’art contemporain polynésien et j’ai créé une collection de luminaires, mobilier et sculptures.
De retour en France, je me suis questionné sur les déchets industriels et le constat était évident : il fallait trouver une valorisation artistique. Depuis mon travail de création et de recherche est axé autour des rebuts industriels. Ma réflexion a été : « Comment faire du beau et du grandiose avec du déchet ? »

Je crée des œuvres monumentales éphémères en non-tissé (fibre synthétique, déchet ultime) dans l’espace public ou dans la nature. J’explore et je transforme d’autres matières tels le plastique récupéré sous forme de feuillard, le carton, le métal, le bois et le fil. Je fais de la photographie. Je travaille en binôme avec ma compagne.

Créer est un plaisir, une nécessité. Il faut abolir toutes les frontières pour qu’émotions et sensations se collent à une idée que la main transformera en œuvre d’art ou en objet.

Son Travail de recherche pendant le confinement

Le confinement m’a contraint à rester dans un périmètre réduit, avec la chance de pouvoir aller à mon atelier , situé sur le site de l’usine DMC. Le seul lien possible par rapport au lieu où j’étais confiné et mon travail de recherche photographique, était une évasion grâce aux palettes de fils DMC entreposées à proximité de mon atelier. Cet entremêlage de couleurs et de longueurs représentait un chaos latent, silencieux, tout comme l’atmosphère très particulière du confinement.

Tout est à l’arrêt. Le désir d’évasion, la perception visuelle et tactile deviennent le canal de cette série de photos. Les fils et les photos réalisées représentent l’ordre et le désordre, tout comme un étalement et une fragmentation numérisée du temps qui prend toute sa dimension. Les lignes sont le reflet du temps qui s’étire dans ce contexte où la linéarité devient source de perception. Les couleurs sont une fête, comme la Holi en Inde.

Un artiste optimiste.

Né en 1967, Franck Ecalard est un artiste peintre français.

Cet architecte de formation travaille durant deux ans sur les chantiers avant d’abandonner ce milieu et se tourner vers la création artistique.
De manière autodidacte, il se forme à la peinture et peint tout ce qui l’entoure. Il s’inspire de sa propre vie et de son environnement afin de réaliser des œuvres colorées et pleine de vie.
Ayant passé son enfance sur une péniche,l’artiste se sent particulièrement connecté au monde aquatique.

Les œuvres de Franck Ecalard sont exposées dans de nombreuses galeries françaises et européennes.

Artiste pluraliste, Ottmar Hörl aime mélanger les matériaux lorsqu’il crée ses sculptures. Ne voulant pas être catégorisé dans « une marque de fabrique » bien définie, le peintre sculpteur pense également que ses arts ne peuvent pas être simplement réduits à une solution unique ou bi ou tridimensionnelle.
L’originalité de cet artiste allemand se traduit par ses sculptures qu’il expose en série, souvent par centaines ou milliers devant des monuments historiques ou dans des lieux publics significatifs et accessibles à la vue de tous.

Par l’ensemble de ses œuvres, Ottmar se veut une personne qui invite à la communication et qui souhaite intégrer le multiple et populaire dans notre vie quotidienne.

Les personnages que Christophe Hohler met en scène ont quelque chose de fascinant. Le terme de fascinant ne rend pourtant pas avec suffisamment de précision ce qui se produit exactement au moment où nos yeux se posent sur ces personnages. En fait, ces frêles silhouettes s’offrent à nous avec une évidence si déconcertante que nous en sommes bouleversés. En contemplant ces êtres désarmés, saisis à des moments anodins de leur existence, nous réalisons combien nos regards sont conditionnés, entravés. Depuis longtemps, les convenances ont recommandé de ne pas dévisager avec trop d’insistance nos sembla- bles. Ne doit-on pas soigneusement éviter de croiser trop longtemps un regard ? La bienséance nous interdirait-elle aujourd’hui de voir l’autre (de le comprendre) ? Christophe Hohler lève ce tabou, en tant qu’artiste, en tant qu’homme, il refuse de se conformer à ce genre de convention. Alors, quand on lui pose la question d’où pro- viennent toutes ses figures, l’artiste répond en toute simplicité « c’est en peignant que le sujet se révèle ». Voilà un certain temps, en effet, qu’il n’a plus besoin de modèle devant lui pour donner un corps à ses silhouettes. C’est que sa vigilance mentale mobi- lise sa mémoire visuelle et son empathie. Cette fusion guide ses mains, et en quelques traces fulgurantes surgissent Celui-ci, Personnage 12-01, Individu 1, Groupe de réfu- giés… Car il peint vite, très vite. Il faut l’avoir vu, ne serait-ce qu’une fois : en quel- ques lignes colorées, il invente un corps et lui assure l’allure désirée. On comprend alors qu’il a intégré une multitude d’observations et qu’il a mémorisé les formes que peuvent prendre certains états psychiques. Et il les érige en véritables images sympto- matiques. Il modèle la figure avec son jaune, avec le bleu, le rouge. Le rouge surtout, celui de la vie. « C’est en peignant que le sujet se révèle » Claude ROSSIGNOL

Né à paris en 1974.

Issu de la culture populaire, le travail de Joseph est à la fois une célébration ludique de son géniteur superficiel et un commentaire pénétrant sur l’ère du consumérisme. Ces tableaux chamarrés au look rétro trouvent leurs origines dans la BD, la publicité, même les capsules, car l’artiste fête la triomphe l’univers pop dans toutes ses formes. La finition brillante de son œuvre rappelle les panneaux publicitaires émaillés si caractéristiques de la première moitié du 20e siècle, une finition qui convient parfaitement à cet univers idéal et plus grand que la vie. Tandis qu’on regarde ces femmes trop belles, ces gens toujours souriants, on aperçoit dans la surface lisse et implacable comme les personnages qu’elle expose, un reflet pénombre de soi même, une pâle imitation d’imitation: la vie qui imite l’art qui imite la vie.

Si Joseph s’inspire graphiquement de la société consumériste, on ne trouve pas moins cette influence dans la forme de ses tableaux: chaque pièce se compose de plusieurs panneaux attachés de telle façon que, suivant ses coups de tête, on peut les changer de place, les déconstruire, même en rajouter. Joseph pousse le pop art à sa conclusion logique: une forme d’art où le consommateur prend sa place à côté de l’artiste dans le processus créatif.

Tristan Stansbury Worthington

TÉO KRIJGSMAN

À 9 ans, Téo Krijgsman a décidé de devenir photographe lorsqu’un homme l’a pris en photo sur une plage. Cette photo était prise d’une perspective qui fascinait Téo. L’artiste a alors développé son savoir-faire et son style en ayant pour sujet récurrent l’architecture et les gens. Il veut capturer les processus créatifs en général et s’inspire en particulier de la littérature, du cinéma et de la musique.

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Site de l’artiste : http://www.kurtmair.com

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Citation de l’artiste coréen résidant en France qui se définit lui et son travail :

Un jour, je fus surpris en contemplant mon image dans le miroir. Cette image que je découvris subitement au milieu d’un quotidien trépidant me paraissait bien étrangère. Une fois cette sensation passée, je me demandais alors :

Qui suis-je ?

Mais je ne réussis pas à me voir clairement.  Je suis le mari d’une femme au petit matin, un piéton dans les rues, le passager d’un bus, un chercheur dans un institut et lorsque vient le soir, je redeviens le père d’un enfant. Je vis en tenant différents rôles propres à chaque instant, à chaque endroit. Et chaque rôle revêt une couleur et une forme propres. Je suis ainsi constitué. C’est lorsque ces différentes couleurs et formes se superposent dans le cadre de ma vie que j’aperçois vaguement ma propre image.

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